Resultados de la búsqueda

Nos emociona anunciar la incorporación a nuestro catálogo de Las Nuestras (2026), un delicado cortometraje de ficción escrito y dirigido por María Espejo, que convierte un gesto cotidiano en un poderoso acto de memoria, identidad y reconocimiento. Rodado en Jerez de la Frontera (Cádiz) y protagonizado por un reparto encabezado por Adelfa Calvo, la película rinde homenaje a todas esas mujeres que, generación tras generación, han preservado mucho más que recetas: han mantenido viva una forma de entender la familia, la cultura y el afecto. Con apenas cinco minutos de duración, Las Nuestras demuestra que el cine puede encontrar una enorme fuerza emocional en los pequeños gestos. La cocina deja de ser únicamente un espacio doméstico para convertirse en un lugar donde se transmiten valores, recuerdos y formas de amar que sobreviven al paso del tiempo. 📝 Sinopsis Homenaje a las mujeres mayores que preservan el arte de cocinar con esfuerzo, memoria y legado. 🍲 Mucho más que cocinar: preservar una herencia invisible En Las Nuestras, la gastronomía funciona como lenguaje emocional. Cada receta, cada ingrediente y cada movimiento de unas manos acostumbradas al trabajo cotidiano hablan de una herencia que raramente aparece en los libros de historia, pero que ha construido la identidad de miles de familias. Lejos de cualquier idealización, el cortometraje pone el foco en esas mujeres anónimas que han sostenido generaciones enteras desde el cuidado, la dedicación y la transmisión de conocimientos, reivindicando el valor de un legado que normalmente permanece fuera del relato oficial. Porque cocinar, aquí, significa también recordar, enseñar, compartir y resistir al paso del tiempo. 👵 Un homenaje a las mujeres que construyeron nuestras familias Más allá de la tradición culinaria, Las Nuestras habla de memoria colectiva. Las protagonistas representan a tantas madres, abuelas y bisabuelas que hicieron de la cocina un espacio de encuentro, aprendizaje y refugio. Mujeres que sostuvieron hogares enteros mientras transmitían una cultura que pocas veces fue reconocida como patrimonio. El film propone una mirada profundamente humanista sobre el papel de estas generaciones, invitando al espectador a detenerse en aquello que con demasiada frecuencia damos por hecho: los pequeños gestos cotidianos que terminan definiendo quiénes somos. 🎭 Un reparto que conecta generaciones El cortometraje cuenta con un reparto encabezado por Adelfa Calvo, una de las intérpretes más sólidas del cine español reciente, acompañada por Miguel Conde, Lidia Jaime, Diego Correro, Álex de la Croix, Sasha Cócola y Samuel Mateo. Juntos construyen una pieza breve pero cargada de sensibilidad. 🎥 María Espejo: una nueva voz comprometida con las emociones cotidianas Las Nuestras supone el debut cinematográfico de María Espejo, aunque su trayectoria dentro del audiovisual comenzó mucho antes. Tras iniciar su carrera profesional muy joven como presentadora e intérprete, descubrió su verdadera vocación detrás de las cámaras, desarrollando durante años su trabajo como directora y coach de actores. Su interés siempre ha estado ligado a historias capaces de despertar emociones, provocar reflexión y generar conciencia, una sensibilidad que queda plenamente reflejada en esta primera incursión en el cine de ficción. Con Las Nuestras, María Espejo demuestra una mirada cercana y honesta, capaz de convertir un instante cotidiano en una historia universal sobre la memoria, la familia y el legado femenino. María Espejo 📍 FICHA TÉCNICA DESTACADA • Dirección y guion: María Espejo • Producción: María Espejo • Dirección de fotografía: Robert Adventures • Montaje: Robert Adventures • Diseño de sonido: Patricio Musalem • Dirección artística: María Espejo • Producción ejecutiva: El Espejo Producciones • Jefa de Producción: Gio Muñoz • Reparto: Adelfa Calvo, Miguel Conde, Lidia Mª Jaime, Diego Correro, Álex de la Croix, Sasha Cócola y Samuel Mateo • Género: Ficción familiar • Duración: 4:48 minutos • Lugar de rodaje: Jerez de la Frontera (Cádiz, España) • Idioma: Español • Subtítulos: Español e inglés • Distribución y ventas: LINE UP – Film Agency ❤️ Hay historias que se cocinan a fuego lento y otras que sobreviven gracias a quienes nunca dejaron de cuidar de los demás. Las Nuestras es un homenaje sincero a esas mujeres cuya memoria sigue viva en cada plato, en cada tradición y en cada familia. 🎥 Próximamente en festivales. 📢 Distribuye: LINE UP – Film Agency.

Nos enorgullece anunciar la incorporación a nuestro catálogo de Plus Ultra (2026), el primer largometraje documental del director andaluz Elías Pérez, una ambiciosa producción histórica que recupera una de las mayores gestas de la aviación española y la sitúa en el contexto político, social y humano que terminó relegándola al olvido. Producido por Enciende Televisión, Plus Ultra combina documental, recreación cinematográfica, material histórico y testimonios de especialistas para reconstruir el extraordinario viaje que, en 1926, unió por primera vez España y América Latina a bordo del hidroavión Plus Ultra. Una epopeya tecnológica y humana cuya trascendencia quedó eclipsada por las tensiones políticas que marcarían las décadas posteriores. El largometraje tuvo su estreno mundial en la 29ª edición del Festival de Málaga, dentro de la sección Pases Especiales Documentales, iniciando así su recorrido en festivales con una de las principales citas cinematográficas del país. 📝 Sinopsis Cuatro aviadores españoles cruzan el Atlántico en 1926 a bordo del Plus Ultra, rumbo a Argentina. ✈️ La aventura que unió dos continentes El 22 de enero de 1926, cuatro aviadores españoles emprendieron un viaje que parecía imposible: cruzar el océano Atlántico en un hidroavión desde Palos de la Frontera hasta Buenos Aires. Lo que podría parecer únicamente una proeza aeronáutica se convierte en una apasionante reflexión sobre la memoria histórica, la política, la identidad y el relato de un país. Plus Ultra revive aquella expedición con una mirada contemporánea que trasciende el relato épico para preguntarse por qué una hazaña de semejante magnitud terminó prácticamente desapareciendo de la memoria colectiva española. El documental no solo reconstruye el viaje, sino también el contexto político que acabó condicionando la forma en que la historia fue contada. 🌍 Historia, política y memoria en un mismo vuelo Más allá de la aviación, Plus Ultra habla sobre un momento decisivo de la Europa del siglo XX. Como recoge el propio dossier de la película, el documental sitúa la expedición en una España gobernada por la dictadura de Miguel Primo de Rivera y el reinado de Alfonso XIII, donde cuatro militares de ideologías completamente opuestas compartieron cabina para protagonizar una misión cargada de simbolismo político, tecnológico y social. Ese contraste convierte la travesía en mucho más que una aventura aérea: es también el retrato de un país lleno de contradicciones que buscaba proyectar una imagen de modernidad mientras se acercaba a uno de los periodos más convulsos de su historia. 🎥 Un documental que mezcla recreación y rigor histórico Uno de los grandes atractivos de Plus Ultra es su apuesta narrativa. La película combina recreaciones cinematográficas, imágenes de época, documentación histórica y entrevistas con especialistas para construir un relato dinámico que acerca los hechos tanto al gran público como a los amantes de la historia y la aviación. El gran elenco se compone de Xavi Caudevilla, Ignacio de la Puerta, Paco Marquéz, Pablo Bejar, Vicente Vergara, Dani Mantero.... Entre los entrevistados destacan Pedro Duque, primer astronauta español; José Luis Figuero, jefe del Servicio Histórico y Cultural del Ejército del Aire; el piloto argentino Santiago Garibotti y el ingeniero aeronáutico Alberto Espuelas, junto a diversos historiadores y divulgadores especializados. 🛩️ Cuatro hombres, cuatro ideologías, un mismo destino Uno de los aspectos más sorprendentes del documental es descubrir quiénes eran realmente los protagonistas de aquella expedición. Ramón Franco, republicano y hermano del futuro dictador; Julio Ruiz de Alda, fundador de Falange; Pablo Rada, mecánico comunista cuya pericia resultó decisiva durante el vuelo; y Juan Manuel Durán, monárquico, representan cuatro maneras muy distintas de entender España, obligadas a convivir dentro de un mismo avión para lograr una hazaña irrepetible. La película utiliza estas trayectorias personales para mostrar cómo la historia nunca es tan sencilla como los relatos oficiales. 🎬 Elías Pérez: narrar la memoria desde nuevas perspectivas Con Plus Ultra, Elías Pérez firma su primer largometraje documental tras una trayectoria reconocida en festivales nacionales e internacionales. Director de títulos como El Prenauta (2018), Se van sus naves (2022) —nominado a los Premios Carmen— y Carroña (2024), con este nuevo trabajo amplía su interés por la memoria histórica y las nuevas formas de narrar el pasado. Tal y como destaca su press kit, Plus Ultra supone la culminación de una evolución autoral centrada en la historia, la imagen y la recuperación de episodios olvidados, consolidando a Elías Pérez como una de las voces emergentes del nuevo cine español y andaluz. Elías Pérez 📍 FICHA TÉCNICA DESTACADA • Dirección y guion: Elías Pérez • Producción: Enciende Televisión SL. Con la colaboración de Mimeticoctopus. Y con la participación de Canal Sur, RTVE, Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, Diputación de Huelva, Universidad de Huelva, UNIA y Ayuntamientos de Huelva, Palos de la Frontera y San Juan del Puerto. • Producción ejecutiva: Agús Jiménez • Fotografía: Eduardo Jara • Montaje: Manuel Terceño • Diseño de sonido: José Tomé • Música original: Isabel Royán • Género: Documental histórico • Duración: 70 minutos • Lugar de rodaje: Sevilla, Madrid, Jerez y Huelva (España) • Idioma: Español • Distribución en festivales: LINE UP – Film Agency ✈️ A cien años de una de las mayores gestas de la aviación española, Plus Ultra recupera una historia extraordinaria que combina aventura, memoria y política para preguntarnos por qué algunos héroes permanecen en el recuerdo… mientras otros desaparecen de los libros de historia. 🎥 Próximamente en más festivales. 📢 Distribuye: LINE UP – Film Agency.

Nos complace anunciar la incorporación a nuestro catálogo de El Reto (2026), el nuevo cortometraje de ficción del cineasta valenciano Víctor Devesa, una comedia negra con aroma de thriller que convierte una premisa tan absurda como irresistible en una reflexión mordaz sobre las relaciones de pareja, los límites del amor y el humor más políticamente incorrecto. Producido por Víctor Devesa García-Lliberós y protagonizado por Ylenia Baglietto y Alberto Baño, el cortometraje arranca con una imagen imposible de olvidar: una mujer apunta con una pistola a su novio… y ambos están completamente de acuerdo en que debe disparar. A partir de esa situación extrema, El Reto construye una escalada de tensión, humor y situaciones delirantes que atrapan al espectador desde el primer minuto. 📝 Sinopsis Marta está apuntando con una pistola a su novio. Están de acuerdo en lo que está a punto de suceder: tiene que dispararle. Con apenas siete minutos de duración, El Reto demuestra cómo una idea sencilla puede convertirse en un ejercicio brillante de ritmo, suspense y comedia negra. 🔫 Cuando el absurdo se convierte en el mejor punto de partida El gran acierto del cortometraje reside en una premisa que despierta inmediatamente la curiosidad del espectador. ¿Cómo puede una pareja llegar al punto de aceptar que uno dispare al otro? Lejos de buscar una explicación inmediata, la película utiliza esa pregunta como motor narrativo para explorar los mecanismos de una relación llevada al límite, mezclando thriller, humor absurdo y tensión física en un relato que nunca deja de sorprender. Cada diálogo añade una nueva capa de incomodidad, mientras los personajes intentan mantener una lógica imposible dentro de una situación completamente disparatada. 🎭 Reírse de lo incorrecto Uno de los elementos más personales del proyecto es su reivindicación de la comedia negra como herramienta para hablar de aquello que normalmente genera incomodidad. En sus notas de dirección, Víctor Devesa explica que la película nace de su deseo de volver a una “comedia negra pura y dura”, inspirándose en el humor de Luis García Berlanga y Rafael Azcona, especialmente en obras como El verdugo o La vaquilla. Según el director, le fascina “esa capacidad tan nuestra de meternos de lleno en lo escabroso y reírnos de nuestras desgracias más profundas y de las cosas más políticamente incorrectas”. Ese espíritu recorre todo el cortometraje, donde el humor surge precisamente del contraste entre la gravedad de la situación y la absoluta naturalidad con la que los protagonistas la afrontan. 🎥 Un cóctel entre Berlanga, los Hermanos Marx y el thriller contemporáneo Visual y narrativamente, El Reto juega constantemente con los contrastes. El propio director define el tono de la película como “un cóctel entre Berlanga y los Hermanos Marx”, mezclando la sensación de asfixia de El verdugo con el ritmo frenético del humor absurdo clásico. A ello suma influencias como ¡Jo, qué noche! de Martin Scorsese, Relatos salvajes de Damián Szifron o las discusiones de pareja del mejor Woody Allen. El resultado es una puesta en escena donde el caos parece cuidadosamente coreografiado, permitiendo que la tensión y la comicidad convivan durante todo el metraje. 🎬 Una puesta en escena que potencia la incomodidad La propuesta visual también rompe con los códigos habituales de la comedia. Según explica Víctor Devesa en su memoria de intenciones, junto al director de fotografía Alberto Chirla buscaron deliberadamente alejarse de la imagen plana de muchas comedias actuales. Apostaron por una iluminación de fuertes contrastes, un tratamiento cromático cinematográfico y una cámara íntegramente en mano para transmitir nervio, inestabilidad e inquietud constante, reforzando así el contraste entre la sofisticación visual y el absurdo de la situación. Ese lenguaje visual convierte cada discusión en un pequeño thriller donde el espectador nunca sabe exactamente hacia dónde evolucionará la historia. 🎬 Víctor Devesa: humor, precisión y personalidad Víctor Devesa (Valencia, 1993) continúa consolidando una trayectoria marcada por el equilibrio entre la comedia y el suspense. Tras dirigir Nunca te olvidaré (2016), cortometraje con más de cuarenta selecciones internacionales y finalista en FibABC, además de títulos como Decadente (2019) y Casting (2024), presenta ahora El Reto, una obra que confirma su interés por los personajes atrapados en situaciones límite y por un humor que desafía continuamente las expectativas del espectador. Su mirada combina un ritmo narrativo muy preciso con un profundo conocimiento del lenguaje de la comedia cinematográfica. Víctor Devesa 📍 FICHA TÉCNICA DESTACADA • Dirección y guion: Víctor Devesa • Producción: Víctor Devesa García-Lliberós • Fotografía: Alberto Chiralt • Diseño de sonido: Litos Sevilla • Montaje: Víctor Devesa • Dirección artística: Ismael Ventura • Reparto: Ylenia Baglietto, Alberto Baño • Género: Ficción · Comedia negra · Thriller • Duración: 7:04 • Lugar de rodaje: Valencia (España) • Distribución y ventas: LINE UP – Film Agency 🎯 Con una premisa tan provocadora como divertida, El Reto demuestra que las mejores comedias negras nacen cuando el absurdo se toma completamente en serio. Un cortometraje ágil, inteligente y afilado que dispara contra las convenciones de la pareja, el suspense y el propio género. 🎥 Próximamente en festivales 📢 Distribuye: LINE UP – Film Agency.

Nos complace anunciar la incorporación al catálogo de La Sombra de Rodric (2026), el primer largometraje documental de Elsa Núñez, una obra profundamente humana que pone el foco en las vidas de personas con discapacidad física y sus familias desde una perspectiva cercana, honesta y libre de artificios. Rodada en Tenerife, esta película nace de una experiencia personal de su directora y se convierte en una reflexión universal sobre la dignidad, la accesibilidad y las barreras visibles e invisibles que todavía persisten en nuestra sociedad. Más que un documental sobre la discapacidad, La Sombra de Rodric es una historia sobre la condición humana, la resiliencia y el derecho de todas las personas a participar plenamente en la vida. 📝 Sinopsis La Sombra de Rodric retrata las vidas de personas con discapacidad física y de sus familias con un enfoque cercano, crudo y real. A través de sus historias descubrimos el doloroso pero poderoso viaje de quienes enfrentan barreras invisibles, tanto físicas como sociales, y el amor incondicional que impulsa a sus seres queridos a seguir adelante y luchar por un futuro mejor. La película se convierte en un testimonio de valentía, lucha y esperanza, así como en una reflexión sobre la importancia de la inclusión y el respeto hacia la diversidad. 🌍 Un documental sobre derechos, igualdad y comunidad Aunque la discapacidad es el eje central del relato, La Sombra de Rodric aborda cuestiones mucho más amplias: la igualdad de oportunidades, la construcción de comunidades más accesibles, la importancia del apoyo familiar y la necesidad de replantear nuestra relación con la diferencia. La producción define la película como una obra capaz de transformar una problemática social en una experiencia emocional y universal, conectando con espectadores de cualquier edad o contexto. En un momento en que el documental contemporáneo busca cada vez más historias reales capaces de generar reflexión social, la película encuentra su fuerza precisamente en la honestidad de sus protagonistas y en la autenticidad de las situaciones que retrata. 🎬 Elsa Núñez: una nueva voz en el documental social Con La Sombra de Rodric, Elsa Núñez debuta en el largometraje documental aportando una mirada profundamente comprometida con la realidad que retrata. Su filmografía incluye Nos vemos en el infierno (2025) y Crisálida (2026), además de este primer largometraje que supone una declaración de principios sobre el papel del cine como herramienta de transformación social. Lejos de ofrecer respuestas simples, Núñez apuesta por la observación, la escucha y la empatía como herramientas narrativas. El resultado es una obra que invita al espectador a mirar de frente una realidad que con frecuencia permanece invisible. Elsa Núñez 📍 FICHA TÉCNICA DESTACADA • Dirección y Guion: Elsa Núñez Fernández • Fotografía: Eric Abad • Montaje: Eric Abad • Diseño de sonido: Sarandonga • Música original: Jeansy Aúz • Producción: Kairos Films • Duración: 80:07 • Género: Documental Social • Idioma original: Español • Subtítulos: Inglés • Distribución en festivales: LINE UP – Film Agency 💜 La Sombra de Rodric es una película sobre personas, no sobre etiquetas. Un documental que transforma la observación en empatía y que nos recuerda que una sociedad más accesible no beneficia únicamente a quienes tienen una discapacidad: nos hace mejores a todos. 🎥 Próximamente en festivales. 📢 Distribuye: LINE UP – Film Agency.

Nos alegra anunciar la incorporación al catálogo de Veganos (2026), un cortometraje de ficción tan sencillo en apariencia como profundamente provocador en su planteamiento. Dirigido por Julio Alcántara en su debut como realizador, esta pieza de apenas seis minutos utiliza una situación cotidiana para explorar cuestiones universales como el duelo, la identidad, las contradicciones personales y la necesidad de redefinir quiénes somos cuando la vida cambia para siempre. Rodado en Madrid y fotografiado en un elegante blanco y negro, Veganos propone un retrato íntimo de una familia reunida tras una pérdida reciente. Lo que comienza como una comida de duelo aparentemente convencional termina convirtiéndose en un inesperado acto de emancipación personal capaz de poner en cuestión décadas de certezas familiares. Con un tono contenido, silencios cargados de significado y una puesta en escena minimalista, el cortometraje encuentra en un gesto aparentemente insignificante la fuerza suficiente para desencadenar una auténtica revolución emocional. 📝 Sinopsis Tras el entierro de su marido, una mujer reúne a sus hijos en un asador. Lo que parecía una comida incómoda de duelo se transforma en un desconcertante acto de rebelión íntima. 🥩 Un gesto mínimo que lo cambia todo La premisa de Veganos es tan simple como poderosa. Después del funeral de su padre, tres hermanos acompañan a su madre a comer a un asador. Vestidos aún de negro y atrapados en la incomodidad del duelo, intentan mantener una aparente normalidad entre silencios, reproches y heridas familiares que poco a poco salen a la superficie. Entonces ocurre algo inesperado: la madre, vegana desde hace más de cuarenta años, pide unas chuletas y comienza a comerlas delante de sus hijos. Ese gesto aparentemente incomprensible altera por completo la imagen que la familia tenía de ella y convierte la comida en una silenciosa confrontación sobre la identidad, el desgaste emocional y la posibilidad de cambiar incluso cuando parece demasiado tarde. A partir de esa situación, el cortometraje reflexiona sobre las convicciones que nos definen, las decisiones que heredamos y aquellas transformaciones íntimas que, a menudo, permanecen invisibles para quienes tenemos más cerca. ⚫ Un retrato sobre el duelo, las contradicciones y la libertad personal Según explica el propio director en su declaración de intenciones, Veganos explora “el duelo, las contradicciones personales y el momento exacto en que una vida construida alrededor de unas convicciones empieza a resquebrajarse”. Lejos de ofrecer respuestas cerradas, la película se mueve en los matices. Habla de las personas que cambian cuando nadie lo espera, de las decisiones que desafían la imagen que otros tienen de nosotros y de cómo, incluso en los momentos de mayor vulnerabilidad, puede surgir una inesperada forma de resistencia. El resultado es una obra pequeña en duración pero ambiciosa en significado, capaz de condensar en pocos minutos una compleja reflexión sobre la familia, la pérdida y la búsqueda de una identidad propia. 🎭 Julio Alcántara: la verdad de los personajes como punto de partida Actor con una amplia trayectoria en cine, televisión y teatro, Julio Alcántara da el salto a la dirección con un proyecto profundamente centrado en el trabajo interpretativo y en la verdad emocional de sus personajes. Licenciado en Arte Dramático por la ESAD de Córdoba, ha participado en producciones cinematográficas como Una Familia de Ricardo Gómez, Way Down de Jaume Balagueró o Incestum de Héctor Escandell, además de formar parte de series tan populares como Águila Roja, Hospital Central o La que se avecina. Su experiencia como actor y su trabajo junto a compañías de referencia como La Fura dels Baus, Leo Bassi o Els Joglars se refleja en una puesta en escena donde las emociones y los silencios ocupan el centro del relato. Como director, busca siempre la autenticidad de los personajes y la fuerza dramática de los pequeños gestos. Julio Alcántara 📍 FICHA TÉCNICA DESTACADA • Dirección: Julio Alcántara • Guion: Alejandro Rodríguez • Producción: Pauxa Films • Fotografía: Julio Alcántara • Montaje: Celia Caballero • Diseño de sonido: Fabio Capelli • Sonido directo: Gerardo Truyol • Reparto: Lara de Blanco, Antonio Aguilar, Paloma Montero, Luana Bobadilla y José Dávila • Formato: Blanco y negro • Idioma original: Español • Subtítulos: Inglés • Duración: 5:56 • Distribución: LINE UP – Film Agency 🥀 Veganos es una historia sobre aquello que permanece oculto incluso dentro de las familias más cercanas; un retrato delicado del duelo, las contradicciones humanas y la libertad de cambiar cuando ya nadie espera que lo hagamos. 🎥 Próximamente en festivales. 📢 Distribuye: LINE UP – Film Agency.

Nos alegra anunciar la incorporación al catálogo de Saldremos de Esta (2026), el nuevo cortometraje de ficción escrito y dirigido por Vargas Buendía, una comedia con tintes de fantasía y humor absurdo que convierte una situación extraordinaria en una reflexión profundamente humana sobre la insatisfacción, el miedo al cambio y la posibilidad de empezar de nuevo. Rodado en Madrid y protagonizado por Javier Muga, Javi Martínez, Lola Bolaños y Sonia Escudero, el cortometraje reúne a cuatro desconocidos atrapados por un inesperado apagón nacional dentro de una cafetería. Lo que comienza como una discusión absurda desemboca en una convivencia forzada donde afloran frustraciones, heridas personales y deseos largamente aplazados. Con una duración de 17 minutos, Saldremos de Esta combina comedia negra, surrealismo y fantasía cotidiana para construir una historia tan divertida como emotiva, capaz de conectar con una generación marcada por la incertidumbre y la sensación de estar siempre esperando que algo cambie. 📝 Sinopsis Una mañana cualquiera en una cafetería de especialidad reúne por azar a cuatro personas que aparentemente no tienen nada en común, salvo una profunda insatisfacción con sus vidas. Cuando una absurda discusión desencadena una pelea entre ellos, un inesperado apagón eléctrico a nivel nacional deja el local completamente bloqueado. Sin luz, sin cobertura y sin posibilidad de salir, los cuatro se ven obligados a convivir durante unas horas que pronto se convierten en un inesperado viaje emocional. Guiados por la intuición de uno de ellos, descubrirán que a veces el cambio es la única manera de resistir. ☕ El absurdo como herramienta para hablar de la realidad Lejos de buscar el realismo convencional, Saldremos de Esta abraza la fantasía y el absurdo para abordar cuestiones muy reconocibles: la frustración vital, la sensación de fracaso, el miedo a tomar decisiones y la dificultad de transformar nuestras vidas. Según explica el propio director, la película nace de la idea de que la comedia y la ficción pueden ayudarnos a tomar distancia frente a los problemas cotidianos y observarlos desde otra perspectiva. Para Vargas Buendía, el absurdo tiene la capacidad de romper patrones aprendidos y obligarnos a replantear nuestra manera de entender el mundo. La historia reúne a cuatro personajes muy distintos que comparten una misma sensación de desencanto. Encerrados en una cafetería durante un apagón masivo, se ven obligados a enfrentarse a una pregunta incómoda: ¿qué ocurriría si realmente se atrevieran a empezar de nuevo? ⚡ Una fábula contemporánea sobre la posibilidad de cambiar La película juega constantemente con los límites entre la realidad y lo fantástico, inspirándose en el surrealismo, la comedia negra y el humor absurdo para construir una historia que habla de nuestro tiempo. En palabras de su director, la pandemia, las crisis recientes y la incertidumbre colectiva hicieron creer a muchos que sus vidas cambiarían radicalmente, pero el paso del tiempo demostró que transformarse es mucho más complejo de lo que parece. Desde esa reflexión surge una película donde lo cotidiano se vuelve extraño y donde, en medio del caos, aparece una inesperada oportunidad de transformación. Porque, como resume el propio Vargas Buendía: “A veces el cambio es la única forma de resistir.” 🎭 Vargas Buendía: teatro, humor y reflexión sobre la condición humana Actor, dramaturgo, director, productor e investigador, Vargas Buendía desarrolla desde hace años una trayectoria artística marcada por la exploración de la comedia, el absurdo y la fantasía como herramientas para reflexionar sobre el comportamiento humano. Formado en Dirección en la RESAD de Madrid y con un Máster en Artes Escénicas por la Universidad Rey Juan Carlos, ha alternado su trabajo en el teatro y el audiovisual con propuestas tan diversas como las comedias musicales Las siamesas y Orquesta Benidorm, la fábula escénica Sedom. Un pueblo llamado Pecado o cortometrajes como La Dolorosa, La vida mata, Woody Allen nunca estuvo aquí y Pollona_86, el pelo y la alegría. Vargas Buendía Con Saldremos de Esta, continúa desarrollando un universo creativo propio donde el humor, la extrañeza y la emoción conviven para plantear preguntas incómodas sobre nuestra manera de vivir. 📍 FICHA TÉCNICA DESTACADA • Dirección y guion: Vargas Buendía • Producción: La Conciencia Producciones, Arara Films y Play Actores • Fotografía: Jesús Egea • Sonido: Jesús Plaza • Música original: Ana Ortiz Wienken • Dirección de arte y vestuario: Diogo Belizario • Reparto: Javier Muga, Javi Martínez, Lola Bolaños, Sonia Escudero. Con la colaboración especial de María Valero y la voz de Sara Guarch • Idioma original: Español • Subtítulos: Inglés • Duración: 17:46 • Distribución: LINE UP – Film Agency ☕ Saldremos de Esta es una comedia tan absurda como cercana, una historia sobre personas atrapadas en sus propias vidas que descubren que, a veces, la única salida posible pasa por atreverse a cambiar. 🎥 ¡Próximamente en festivales! 📢 Distribuye: LINE UP – Film Agency.

Nos alegra anunciar la incorporación al catálogo de Marea Morada (2026), el nuevo largometraje documental de Miguel Ángel Olivares, una obra profundamente humana que pone el foco en la discapacidad, la dignidad y la capacidad de construir una vida plena frente a las barreras que impone la sociedad. Rodado en Lucena (Córdoba), el documental sigue la historia real de Araceli Lara y Elena Ávila, dos mujeres andaluzas que conviven con enfermedades degenerativas y que han encontrado en la fe, la familia, la comunidad y las tradiciones de su tierra la fuerza necesaria para afrontar los desafíos cotidianos. El documental entrelaza la devoción de la Semana Santa de Lucena con estas historias reales de superación, lejos de cualquier discurso paternalista o victimista, la película propone una mirada cercana y luminosa sobre la autonomía, la resiliencia y la libertad de decidir cómo vivir. Con una duración de 62 minutos, Marea Morada se convierte en un retrato íntimo sobre la discapacidad, pero también sobre la identidad, la espiritualidad y el papel fundamental que desempeñan los vínculos afectivos cuando la vida obliga a reinventarse. 📝 Sinopsis Marea Morada narra la historia real de Araceli Lara, que convive con esclerodermia sistémica difusa, y de Elena Ávila, que vive con esclerosis múltiple. Más allá del relato clínico, la película aborda cómo ambas mujeres han construido una vida plena desde la fe, la familia, la comunidad y la participación activa en las tradiciones de su tierra natal, rompiendo las barreras que la sociedad les impone a diario. Dos mujeres que han aprendido a convivir con su discapacidad y a demostrar al mundo de lo que son capaces. 💜 Mucho más que una historia sobre discapacidad Desde sus primeras imágenes, Marea Morada deja claro que no pretende hablar únicamente de enfermedad. El documental se interesa por aquello que sucede más allá de los diagnósticos: las decisiones cotidianas, los sueños que permanecen intactos, las relaciones familiares y la forma en que cada persona construye su lugar en el mundo. A través de una puesta en escena observacional y cercana, la cámara acompaña a Araceli y Elena en momentos aparentemente sencillos, descubriendo en ellos una enorme fuerza emocional. La película invita al espectador a compartir sus rutinas, sus dudas, sus celebraciones y sus dificultades, revelando una realidad que pocas veces ocupa el centro del relato audiovisual. El resultado es una obra que transforma la mirada sobre la discapacidad, alejándose de la épica de la superación para acercarse a algo mucho más complejo y auténtico: la experiencia cotidiana de vivir, resistir y seguir adelante. 🎥 Una mirada desde la empatía y la escucha Tal y como explica Miguel Ángel Olivares en su declaración de intenciones, Marea Morada nace de la necesidad de observar una realidad que todavía genera incomodidad en determinados sectores de la sociedad: la de mujeres con discapacidad que han decidido vivir plenamente y participar activamente en su entorno. El director sitúa la cámara “a la altura de sus miradas y de sus manos”, acompañando sin juzgar y evitando cualquier forma de paternalismo. Su objetivo no es demostrar nada ni construir heroínas, sino generar un espacio de encuentro donde el público pueda escuchar, comprender y empatizar con sus protagonistas. Como él mismo señala, la película busca transformar la incomodidad inicial en reflexión, haciendo visible aquello que a menudo permanece oculto y mostrando a dos mujeres que negocian cada día su independencia, sus límites y sus sueños con una extraordinaria determinación. 🎬 Miguel Ángel Olivares: cine comprometido con las historias humanas Actor y director reconocido nacional e internacionalmente, Miguel Ángel Olivares ha construido una sólida trayectoria en el ámbito del cortometraje y el cine social. Sus trabajos han acumulado más de un centenar de selecciones y decenas de premios en festivales nacionales e internacionales. Director de títulos como Cementerio de Coches, candidato a los Premios Goya, Piedra, Papel o Tijera, Ganadero, Julia, Vinilo o el reciente A las ocho en casa, Olivares continúa desarrollando una filmografía marcada por la sensibilidad hacia los personajes y la exploración de temas vinculados a la identidad, la memoria y la dignidad humana. Con Marea Morada, el cineasta firma uno de sus proyectos más íntimos y comprometidos, reafirmando su interés por contar historias que visibilizan realidades poco representadas desde una perspectiva profundamente humana. Miguel Ángel Olivares 📍 FICHA TÉCNICA DESTACADA • Dirección y guion: Miguel Ángel Olivares • Producción: Gadol Producciones, Muy al Sur Films, Fuera de Plano, Darkwind Seven y La Raíz Producciones • Fotografía: Euu García • Montaje: Ibón Calleja • Diseño de sonido: Claudia Sebastián • Música original: Sergio de la Puente y Sofía Sainz • Ayudante de dirección: Adrián Ordóñez • Con la participación de: Araceli Lara y Elena Ávila • Idioma original: Español • Subtítulos: Inglés • Duración: 62 minutos • Distribución: LINE UP – Film Agency 💜 Marea Morada es una historia sobre la fuerza de quienes siguen avanzando cuando todo parece detenerse; un retrato de la discapacidad desde la verdad, la fe, la familia y la capacidad de construir una vida propia más allá de cualquier etiqueta. 🎥 Próximamente en festivales. 📢 Distribuye: LINE UP – Film Agency.

Nos alegra anunciar la incorporación al catálogo de Beauty (2026), un cortometraje documental dirigido por Eduardo Muñoz y José del Corral que convierte el deporte urbano en un espacio de encuentro, identidad y transformación. Rodado en Vigo durante el festival O Marisquiño, el film propone una mirada íntima, enérgica y profundamente humana sobre la discapacidad, alejándose del discurso de la superación para situarse en otro lugar: el de la dignidad, la autonomía y la belleza de existir fuera de la norma. Producido por CAFÉ FILMS y WOMACK STUDIOS, 'Beauty' se adentra en el universo del skate y el BMX adaptado para construir un retrato coral sobre cuerpos diversos, comunidad y libertad. Un documental que no observa la diferencia desde fuera, sino que la habita desde dentro. 📝 Sinopsis Alejandro perdió una pierna. Pero encontró un propósito: mejorar la vida de quienes, como él, viven fuera de la norma. 🛹 La diferencia no como excepción, sino como punto de partida Lejos de los relatos complacientes sobre discapacidad, Beauty propone otra forma de mirar. Su protagonista, Alejandro Marín, perdió una pierna a los 14 años. Lo que vino después fue el accidente, el bullying, la depresión… y más tarde, la reconstrucción. Hoy es ingeniero mecánico y referente en ortoprótesis, y ha convertido su experiencia en una misión: diseñar soluciones que mejoren la vida de otras personas amputadas. A partir de su llegada al festival O Marisquiño como ponente invitado, el documental despliega una serie de encuentros con atletas adaptados llegados de distintas partes del mundo. Skaters ciegos, riders amputados, cuerpos atravesados por otras formas de movimiento y otras formas de resistencia. Pero aquí la discapacidad no aparece como conflicto ni como lección: es simplemente el punto de partida de vidas que se mueven, compiten, viajan y se reconocen entre sí. 🎥 Una mirada desde dentro Desde la voz de sus directores, Beauty nace como una prolongación natural de su anterior largometraje documental, Aliento (2025), con el que ya exploraron el deporte adaptado desde una mirada íntima y alejada del heroísmo. Pero aquí hay algo más personal todavía: ellos también son skaters. Forman parte de esa comunidad, comparten sus códigos, su lenguaje y su manera de estar en el mundo. Por eso filman desde la cercanía, no desde la observación externa. No buscan explicar la diferencia, sino convivir con ella. Beauty no fue una película planificada al milímetro, sino una película encontrada en el presente, construida a partir de lo que sucedía en tiempo real durante cuatro días de rodaje. Esa espontaneidad —sumada a una puesta en escena que combina la energía física del skate con la intimidad del documental— convierte la película en una experiencia orgánica, vibrante y profundamente honesta. Eduardo Muñoz y José del Corral – Directores. 🌍 Skate, comunidad y nuevas formas de mirar Más allá del deporte, Beauty es también una reflexión sobre cómo miramos los cuerpos y quién decide qué cuerpos ocupan el centro del relato. El film rechaza la retórica del “ejemplo de superación” para proponer algo mucho más radical: normalizar la diferencia sin convertirla en espectáculo. No hay épica impostada, ni moraleja, ni condescendencia. Solo cuerpos en movimiento, personas que se encuentran, y una cámara que escucha. El resultado es un documental vibrante y sensible que habla de inclusión sin subrayarla, de autonomía sin grandilocuencia y de comunidad sin artificio. 🎬 Eduardo Muñoz y José del Corral: cine, skate y mirada documental Tras una sólida trayectoria en el audiovisual vinculada al universo de los action sports, Eduardo Muñoz y José del Corral consolidan con Beauty una línea autoral centrada en el cuerpo, la diferencia y el gesto cotidiano. Ambos directores ya firmaron juntos Aliento (2025), largometraje documental premiado en festivales internacionales, y continúan aquí una misma búsqueda: hacer cine desde la proximidad, la escucha y la representación honesta de lo diverso. José del Corral y Eduardo Muñoz Su experiencia dentro del skate, el deporte y la cultura urbana no solo define el tono de la película: también le da verdad. 📍 FICHA TÉCNICA DESTACADA • Dirección: Eduardo Muñoz, José del Corral • Guion: Fran López Reyes • Producción: CAFÉ FILMS / WOMACK STUDIOS • Fotografía: José del Corral • Montaje: Eduardo Muñoz • Sonido y música original: Manuel Campos • Idioma original: Español y portugués • Subtítulos: Español, inglés e italiano • Duración: 18:39 • Distribución: LINE UP – Film Agency 🛹 Beauty es un documental sobre cuerpos que se mueven, identidades que se afirman y una belleza que no necesita encajar en ninguna norma. 🎥 Próximamente en festivales 📢 Distribuye: LINE UP – Film Agency

Nos alegra anunciar la incorporación al catálogo de Esto Está Frío (2026), un cortometraje documental de Iván Fernández de Córdoba que se adentra en uno de los sistemas más normalizados —y menos cuestionados— de nuestra vida cotidiana: la comida a domicilio. Rodado en Valencia y con una mirada social, crítica y profundamente contemporánea, el film pone el foco en quienes sostienen nuestra comodidad diaria mientras permanecen, casi siempre, fuera de plano. A través de repartidores, clientes y trabajadores vinculados al universo del delivery, Esto Está Frío construye una radiografía urbana sobre la precariedad, la automatización y la deshumanización en tiempos de consumo inmediato. Un retrato lúcido de una ciudad hiperconectada que ha aprendido a pedirlo todo… sin preguntarse quién paga realmente el precio. 📝 Sinopsis En Valencia, repartidores y clientes revelan la cara oculta de la comida a domicilio, cuestionando quién paga realmente el precio de nuestra inmediatez. 🛵 Tecnología, ciudad y cuerpos invisibles Lejos del reportaje convencional, Esto Está Frío adopta un lenguaje visual y narrativo que se distancia del periodismo televisivo para construir una experiencia más inmersiva, sensorial y crítica. El documental no solo observa el funcionamiento de una industria basada en la velocidad, sino que examina el modelo social que la sostiene: una lógica de consumo donde el riesgo se externaliza, el tiempo se acelera y los cuerpos se vuelven invisibles. Partiendo de un hecho real —la muerte de un rider de 22 años atropellado mientras trabajaba, y la ausencia de responsabilidad por parte de la plataforma para la que repartía—, Iván Fernández de Córdoba construye una obra que no busca culpables individuales, sino cuestionar el sistema que convierte la urgencia en norma y la precariedad en rutina. Como señala el propio director, “tal vez, el primer paso del cambio sea simplemente ese: conocer al que llama a nuestra puerta”. 🎥 Iván Fernández de Córdoba: cine para observar lo que preferimos no mirar Con más de una década de trayectoria como director, guionista y productor, Iván Fernández de Córdoba ha desarrollado una filmografía marcada por la observación crítica de los márgenes sociales y los mecanismos invisibles que articulan nuestro presente. Con dos largometrajes, seis cortometrajes, más de 50 premios y presencia en más de 150 festivales —incluido San Sebastián—, su trabajo confirma una mirada cinematográfica sólida, comprometida y en constante evolución. En Esto Está Frío, el director valenciano vuelve a poner el foco en lo cotidiano para revelar aquello que normalmente permanece oculto: las tensiones, desigualdades y contradicciones que sostienen nuestro modo de vida contemporáneo. Iván Fernández de Córdoba 📍 FICHA TÉCNICA DESTACADA • Dirección: Iván Fernández de Córdoba • Guion: Iván Fernández de Córdoba • Producción: Estrela Audiovisual S.L.U / Ivarina Films S.L. • Fotografía: Juan Carlos Fita • Sonido: Enzo Belda • Música: Mario Pina • Montaje: Iván Fernández de Córdoba • Intervenciones: David Alarcos, Moroua Dalaa, William Morales, Thais Valero, Camila Alejandra, Nacho Errando, Amparo Ulpiano, David Giménez, Hu Zhao, Adrián González• Idioma original: Español, árabe, chino y valenciano • Subtítulos: Español e inglés • Duración: 23:40 • Distribución: LINE UP – Film Agency 📦 Esto Está Frío es un retrato incisivo sobre la velocidad, la precariedad y la fragilidad de un sistema que convierte la comodidad en norma… y la invisibilidad en costumbre. 🎥 ¡Próximamente en los mejores festivales! 📢 Distribuye: LINE UP – Film Agency

Nos alegra anunciar la incorporación al catálogo de El Maestro (2026), un cortometraje de ficción dirigido por Guillermo Uria y Juan Carlos Parro, una pieza breve y profundamente emotiva que aborda con sensibilidad el deterioro de la memoria, los vínculos familiares y la fragilidad del tiempo compartido. Producido por Barregarri Producciones, y rodado en Madrid, este drama de apenas tres minutos condensa con sobriedad y precisión una historia íntima sobre el regreso, el cuidado y la dificultad de aceptar que quienes siempre nos enseñaron a vivir también pueden empezar a olvidarnos. 📝 Sinopsis Después de unos cuantos años trabajando en Londres, Rubén vuelve a casa para cuidar de su padre. Le encuentre en el parque de al lado de casa jugando al ajedrez, como siempre. ♟️ Una historia mínima sobre la memoria y el afecto Con una duración de apenas 3 minutos y 33 segundos, El Maestro construye un relato contenido y delicado sobre la enfermedad, el paso del tiempo y los vínculos que persisten incluso cuando la memoria comienza a desdibujarse. A partir de una escena cotidiana —un padre jugando al ajedrez en el parque, un hijo que regresa— el cortometraje articula una historia sobre el peso emocional del reencuentro y el impacto silencioso del Alzheimer en el núcleo familiar. El tablero se convierte aquí en una metáfora del recuerdo, la rutina y la identidad, en una partida donde lo importante ya no es ganar, sino permanecer. Lejos del dramatismo explícito, El Maestro apuesta por la contención, el gesto mínimo y la emoción sostenida, construyendo una pieza breve pero cargada de resonancia. 🎭 Dos intérpretes, un vínculo, una ausencia Interpretado por Guillermo Uria y Carletti Parro, el film se apoya en la cercanía emocional de sus dos protagonistas para construir una relación marcada por el cariño, la costumbre y la pérdida. La historia encuentra en esa sencillez su mayor fuerza: un encuentro aparentemente cotidiano que deja entrever todo aquello que ya no se dice, pero permanece. 🎬 Guillermo Uria y Juan Carlos Parro: una mirada íntima y esencial Guillermo Uria, actor bilbaíno afincado en Madrid, combina su trayectoria interpretativa internacional con una línea autoral marcada por el interés en lo humano y lo emocional. Tras trabajos como La Kantera (2015), Itxaron (2021) o Leonidas (2024), presenta con El Maestro una nueva pieza de sensibilidad íntima y depurada. Junto a él codirige Juan Carlos Parro (Carletti Parro), actor con una amplia trayectoria en producciones audiovisuales y teatrales, que debuta en la dirección con este proyecto. Juntos firman un cortometraje que apuesta por la sencillez formal para poner en primer plano lo verdaderamente importante: el vínculo. Guillermo Uria, Juan Carlos Parro 📍 FICHA TÉCNICA DESTACADA • Dirección: Guillermo Uria, Juan Carlos Parro • Guion: Guillermo Uria, Juan Carlos Parro • Producción: Barregarri Producciones • Fotografía: Alex Crespo • Sonido: Aj Films • Montaje: Aj Films • Intérpretes: Guillermo Uria, Carletti Parro • Idioma original: Español • Duración: 03:33 • Distribución: LINE UP – Film Agency ♟️ El Maestro es una historia sobre la memoria que se escapa, los afectos que permanecen y todo lo que aún puede decirse en silencio. 🎥 ¡Próximamente en festivales! 📢 Distribuye: LINE UP – Film Agency

Nos alegra anunciar la incorporación al catálogo de Fuera del Agua (2025) , un cortometraje de ficción que supone el debut en la dirección de Aly Fresno , una nueva voz del cine andaluz que irrumpe con una propuesta formal arriesgada y cargada de tensión. Producido por EL GOLPE CREATIVOS S.L.  y rodado en Sevilla , el film combina comedia y thriller  en un ejercicio narrativo tan minimalista como preciso, donde el espacio, el tiempo y el fuera de campo se convierten en elementos clave. Seleccionado en el 22 Festival de Sevilla (Panorama Andaluz)  —certamen preseleccionador para los Premios Carmen—, el cortometraje se presenta como una pieza que juega con el suspense desde la contención. 📝 Sinopsis Un chico ha pasado semanas encerrado en un piso ajeno, compartiendo espacio con un compañero al que ya casi no ve. Cuando su compañero desaparece sin avisar, lo que parecía un plan controlado se convierte en una cuenta atrás contra el desastre. 🎥 Un plano, un personaje, una tensión creciente Fuera del Agua apuesta por una puesta en escena radical: un plano secuencia sostenido donde todo el peso dramático recae en su protagonista . La cámara no se mueve, pero la tensión no deja de crecer. Tal y como señala la propia directora en su memoria, la propuesta nace de “contar una historia sin mover la cámara, confiando todo el peso dramático en el personaje” , convirtiendo el plano fijo en una declaración de intenciones que obliga al espectador a mirar más allá de lo evidente  . En este sentido, lo verdaderamente importante no siempre está en primer término, sino en aquello que se intuye: sonidos, silencios, amenazas invisibles. El fuera de campo se convierte en un espacio narrativo fundamental . 🐟 Un acuario como metáfora del encierro La historia se construye desde una potente metáfora visual: un hombre atrapado en un espacio que, como un acuario, impone límites invisibles . Igual que los peces, el protagonista se mueve dentro de un entorno del que no sabe —o no puede— escapar. A través de una fotografía minimalista y un diseño de sonido clave, el cortometraje explora el colapso emocional de un personaje que pierde progresivamente el control de la situación   . Lo que comienza como un plan aparentemente calculado deriva en una espiral de tensión, paranoia y urgencia. 🎭 Un ejercicio interpretativo al límite El film se apoya en la interpretación de Edu Bulnes , que sostiene prácticamente en solitario el desarrollo dramático del cortometraje, acompañado por las colaboraciones especiales de María Cabrera  y Jose Chía . El resultado es un relato contenido pero intenso, donde cada gesto, cada silencio y cada sonido adquieren un peso narrativo esencial. 🎬 Aly Fresno: una mirada formal y contemporánea Formada en ECAES (Escuela de Cine y Artes Escénicas de Sevilla) , Aly Fresno  debuta con una obra que evidencia una clara inquietud formal y narrativa. Con Fuera del Agua , propone un cine que confía en la puesta en escena, el ritmo interno y la implicación activa del espectador. Actualmente, la directora continúa desarrollando su carrera con nuevos proyectos, entre ellos el cortometraje documental La última muñeca , en fase de postproducción. Aly Fresno 📍 FICHA TÉCNICA DESTACADA • Dirección: Aly Fresno • Guion: Antonio Cuesta, Sofía Navarro, Adrián Pino • Idea original: Fernando Infante • Producción: EL GOLPE CREATIVOS S.L. • Fotografía: Manuel Montero “Monty” • Montaje: Aly Fresno • Música original: Fernando Infante • Intérpretes: Edu Bulnes, María Cabrera, Jose Chía • Idioma original: Español • Duración: 08:55 • Subtítulos: Inglés, Francés • Distribución: LINE UP – Film Agency 🐠 Fuera del Agua es un relato sobre el control, el encierro y el instante en el que todo empieza a escaparse. 🎥 Próximamente en más festivales 📢 Distribuye: LINE UP – Film Agency

Nos alegra anunciar la incorporación al catálogo de Amanece (2026) , un cortometraje de ficción dirigido por José Manuel Rebollo  que se adentra, desde una mirada íntima y contemporánea, en una de las realidades más urgentes de nuestro tiempo: la violencia de género . Rodado en Jerez de la Frontera  y producido por Quejío Producciones  junto a Innova Films (Guasa Films SL) , el film propone un relato nocturno, tenso y profundamente emocional que acompaña a su protagonista en un momento límite. Lejos de los discursos explícitos o las fórmulas habituales del drama social, Amanece apuesta por la sugerencia, la experiencia sensorial y el punto de vista como herramientas narrativas . 📝 Sinopsis En mitad de la noche, Bea decide separarse de sus amigas, tomando un camino donde el trauma y sus propios temores forman un cóctel explosivo. 🌙 Una experiencia emocional desde dentro Amanece se construye como un viaje interior en tiempo real . La cámara se sitúa junto a Bea —interpretada por África de la Cruz — para acompañarla en una noche donde el pasado irrumpe con fuerza y el miedo se convierte en una presencia constante. Tal y como plantea el propio director, el cortometraje nace como “un ejercicio de punto de vista” , buscando situar al espectador dentro de la vivencia emocional de la protagonista: su confusión, su cansancio, su sensación de encierro. El resultado es una experiencia casi sensorial que no explica, sino que hace sentir . Lejos del sensacionalismo, Amanece expone la violencia desde sus consecuencias psicológicas : el desgaste, la amenaza latente, el control invisible. Una mirada que interpela directamente al espectador sin ofrecer respuestas cerradas, sino abriendo preguntas incómodas sobre los límites, el miedo y la responsabilidad colectiva . 🧠 Un proyecto con vocación social y pedagógica El origen de Amanece  está profundamente ligado a la Escuela de Cine de la Universidad de Cádiz , donde surge como un proyecto que une formación y creación profesional. Desde la idea original de Rafa Caballero , el cortometraje se concibe como una experiencia colectiva que integra alumnado y profesionales en un entorno real de rodaje . Este enfoque no solo refuerza el valor artístico del proyecto, sino también su dimensión social: utilizar el cine como herramienta de reflexión, sensibilización y transformación . Amanece no solo cuenta una historia, sino que también genera un espacio de aprendizaje y conciencia . 🎭 Personajes atravesados por el silencio El peso dramático del cortometraje recae en Bea , un personaje definido por la memoria del trauma y la tensión interna. Su recorrido por la ciudad —un entorno cotidiano, reconocible, casi universal— se convierte en un enfrentamiento directo con aquello que la persigue . La elección de un entorno urbano cercano refuerza una idea clave: esta historia puede estar ocurriendo en cualquier lugar . No hay distancia posible para el espectador. 🎬 José Manuel Rebollo: cine social desde la intimidad José Manuel Rebollo  continúa consolidando una filmografía centrada en conflictos humanos y sociales, abordados desde una mirada contenida y cercana. Tras sus largometrajes Sola (2023)  y Coraje (2025) , regresa al cortometraje con una obra que reafirma su compromiso con un cine de autor que dialoga directamente con la realidad . En Amanece , su apuesta es clara: no dictar una lectura única, sino crear un “espejo incómodo” que obligue al espectador a posicionarse . José Manuel Rebollo 📍 FICHA TÉCNICA DESTACADA • Dirección: José Manuel Rebollo • Guion: Rafa Caballero, Javier López Menacho, José Manuel Rebollo • Producción: Quejío Producciones SL, Innova Films (Guasa Films SL) • Fotografía: Manuel Montero “Monty” • Montaje: Juan G. García Román, Anabel Rodríguez Venzalá • Música original: Pablo Borghi • Intérpretes: África de la Cruz, Óskar Rodríguez, Andrea Ganfornina, Mario Huerta, Marina Mora, Javier Marchante, Ceso López • Idioma original: Español • Duración: 9:38 • Subtítulos: Español, Inglés • Distribución: LINE UP – Film Agency 🌅 Amanece es una historia sobre el miedo, los límites y el momento en que una decisión puede cambiarlo todo. 🎥 Estreno próximamente 📢 Distribuye: LINE UP – Film Agency